El Gran Ziegfeld - La epopeya musical

 

A principios del siglo XX todo parecía posible. Era una época en la cual los artistas se sentían libres para pensar. Isadora Duncan transformó la danza clásica en una expresión del alma. Stanislavski y su método de actuación fue revolucionario en su concepto de la búsqueda de la verdad emocional. Por aquellos años, el cine apenas se había inventado. Florenz Ziegfeld Jr vió el Folies Bergère de Paris y a partir de aquello se inspiró. Iba a glorificar a la American Girl y Broadway iba a alcanzar nuevas cotas de extravagancia.

El gran carnaval - Circo mediático

Es curioso que a lo largo de los años y con una dilatada y variada cinematografía, se siga asociando el nombre de Billy Wilder con la comedia. No es una definición desacertada pero tampoco es la más correcta. De hecho en sus primeras películas como 'Perdición', 'Dias sin huella' y 'El crepúsculo de los dioses' mostraba un tono oscuro y dramático. Eran películas sobre la codicia, la adicción y la decadencia. Con 'El gran carnaval', Billy Wilder exploraba las profundidades del alma humana resultando ser una de sus películas más duras y oscuras, a la par de una lucidez extraordinaria.

Los asesinos de la luna - Nación de codicia, avaricia y violencia

 

1921. Tulsa, Oklahoma. Un incidente entre un limpiabotas negro y una chica blanca desemboca en una batalla campal como más de 400 muertos, la gran mayoría negros. Gran parte de las residencias y locales negros de la ciudad fueron prácticamente arrasadas por un turba de gente blanca enfurecida y llevada por el odio. Dos años antes se produjo lo que se llamó 'El Verano Rojo de 1919' en el cual hubo disturbios raciales en más de una treintena de ciudades de Estados Unidos.  Todas estas historias se han repetido a lo largo de la Historia de Estados Unidos. Son sucesos de violencia, racismo y sobre todo de supremacía blanca. Con 'Los asesinos de la luna', Martin Scorsese escarba y da luz a los males más profundos que han permeado y formado a la sociedad estadounidense. Una historia donde las tragedias de otros grupos étnicos han sido transformadas en historias de heroísmo blanco y donde un medio visual como el cine y sus westerns consiguió glorificarlo. Una historia donde los indígenas y negros son objeto de odio y violencia cuando logran cualquier nivel de éxito que les acerque a la paridad con la población blanca. Una historia que rara vez se toma en cuenta para explicar las brechas raciales y otras desigualdades económicas de Estados Unidos. Decía Balzac que "Detrás de cada gran fortuna hay un gran crimen". Quizás es generalizar demasiado aunque tal vez en caso del pasado más reciente de Estados Unidos habría que analizarlas en profundidad.

¡Qué bello es vivir! - Las alas de un ángel.

 

1945. Frank Capra regresa a Estados Unidos y Hollywood después de dirigir una serie de documentales bélicos propagandísticos llamados 'Why We Fight'. Antes de partir, era considerado uno de los directores más exitosos y era ganador de tres Oscar al Mejor Director, además de presidir durante cuatro años (entre 1935 y 1939) la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas. Pero su vuelta a Hollywood no fue como imaginaba. La idea de 'un hombre, una película' estaba prácticamente muerta. Los grandes estudios tenían un mayor control sobre la producción y Capra pensó en trasladarse al Reino Unido para rodar allí sus películas. Fue cuando Sam Briskin, asistente de Harry Cohn en Columbia, le sugirió que creara su propia productora. Esa idea había nacido en el ejército: productores-directores unidos al servicio de una unión independiente de cineastas independientes. Entre los candidatos se encontraban directores tan prestigiosos como John Ford, William Wyler, George Stevens, John Huston, Garson Kanin y el propio Frank Capra. Capra junto a Briskin fundó Liberty Films en abril de 1945.  Poco después se asociaron William Wyler y George Stevens. En principio, Liberty Films iba a producir nueve largometrajes y el primero de ellos fue '¡Qué bello es vivir!'

J.F.K. Caso abierto - La teoría de la conspiración.

 

Magnicidio. Según la Wikipedia: 'Es el asesinato de una persona con un cargo importante, usualmente una figura política o religiosa. El magnicida suele tener una motivación ideológica o política y la intención de provocar una crisis política o eliminar un adversario que considera un obstáculo para llevar a cabo sus planes.' A lo largo de la Historia han habido numerosos intentos de magnicidio tanto exitosos como fallidos. Algunos de ellos pudieron cambiar el rumbo de una guerra, como el atentado fallido contra Adolf Hitler en 1944. Otros fueron el detonante de una Guerra Mundial, como el asesinato consumado del Archiduque Francisco Fernando en 1914. Hay otros bastante conocidos como los consumados contra Julio César, Mahatma Gandhi, Lincoln, etc. 

'El libro de los seres casi imaginarios' - La belleza oculta de la naturaleza.

 

Cuando era pequeño mi padre me ponía muchas películas sobre monstruos.  Muchas eran producciones que contaban con los asombrosos efectos stop-motion de Ray Harryhausen. Mi primer recuerdo nítido era la Medusa de 'Furia de Titanes' (1981). Me daba pavor. Incluso pensaba, en mi ingenuidad infantil, que si la miraba me podía convertir en piedra. Creía que seres como el Cíclope de 'Simbad y la princesa' (1958), la Hidra de 'Jasón y los argonautas' (1963) o el Grifo de 'El viaje fantástico de Simbad' (1973) podrían haber existido. Eran monstruos de pesadilla, tal vez demasiado increíbles para haber existido. Poco después descubrí que, evidentemente, no habían existido. Pero si existieron otros 'monstruos': los dinosaurios que, quizás, fueron criaturas que inspiraron la creación mitológica de aquellos monstruos que nunca existieron. Y es que existe un vínculo entre lo que es mitología y monstruos. La palabra 'Monstruo' proviene del latín "monstruum", término al que se dotaba de un marcado sentido religioso: era utilizado para denotar un prodigio, un suceso sobrenatural o una señal de los dioses.

El crepúsculo de los dioses - Cuando el cine es grande.

 

1949. Billy Wilder estaba buscando realizar otra película de tono 'oscuro' como fue su gran éxito en 1944 'Perdición', uno de los más grandes noir de la historia del cine. La idea básica de 'El crepúsculo de los dioses' se la proporcionó su habitual socio en escritura de guiones Charles Brackett, posiblemente después de leer una serie de artículos sobre actores del cine mudo. Ya en los años 40, el cine mudo estaba muy olvidado y relegado a proyecciones minoritarias en filmotecas y espacios similares. Apenas un par de años, casi toda la industria fílmica había ignorado el funeral de uno de los pioneros del cine: D.W. Griffith. El cine sonoro, que solo había irrumpido hace veinte años, había sepultado al cine mudo, tanto a sus películas como en las estrellas de aquellos años, algunas incapaces de dar el salto al cine sonoro. Gloria Swanson era una de aquellas estrellas del cine mudo que fueron languideciendo. Fue una oportunidad que no desaprovechó.

Vacaciones en Roma - Un moderno cuento de hadas

 

1952. El rey Jorge VI fallece mientras dormía de una trombosis coronaria. Una de sus dos hijas, Isabel II, fue designada como sucesora y futura reina. En medio de los preparativos para la coronación, la princesa Margarita informó a su hermana de que quería casarse con Peter Townsend, un plebeyo divorciado 16 años mayor que ella y con dos hijos de su anterior matrimonio. Los políticos de alto rango estaban en contra de la unión y la Iglesia de Inglaterra no permitía el matrimonio después del divorcio. Si Margarita contraía matrimonio civil, tenía que renunciar a su derecho de sucesión.​ Finalmente, decidió abandonar sus planes de boda con Townsend. Este hecho se comentaba a menudo como la inspiración para realizar 'Vacaciones en Roma'. En principio se podría pensar que si, dado que tanto la película como ese hecho social coincidían prácticamente a la vez. Pero la concepción original de 'Vacaciones en Roma' se alejaba de todo eso y era una simple coincidencia.

De repente, el último verano - El jardín de Edipo.

 

"¡Oh, matrimonio, matrimonio! Me diste el ser, y volviendo a engendrar hiciste brotar la misma simiente, y mostraste a padres, hermanos, hijos sangre de una misma sangre, a esposas, mujeres y madres, y cuantos crímenes hay más vergonzosos entre los hombres. Mas no es lícito mentar lo que no es honroso hacer. ¡Por los dioses!, ocultadme fuera de aquí al punto, o matadme, o arrojadme al mar allí donde no me volváis a ver nunca más. ¡Ea!, dignaos tocar a este miserable, obedecedme, no temáis, porque mis crímenes ningún mortal sino yo puede llevar consigo."

Edipo, en Edipo Rey de Sófocles.

El retrato de Dorian Gray - La oscuridad del alma

 

Envié mi alma a través de lo Invisible

Para saber algo del Más Allá.

Y con el tiempo mi alma regresó a mí

Y contestó: “Yo mismo soy el Cielo y el Infierno".

Rubaiyat de Omar Khayyam

Con ese cuarteto finaliza y empieza 'El retrato de Dorian Gray' (1945). Oscar Wilde describió al Rubaiyat como "una obra de arte", ubicándolo al lado de los sonetos de Shakespeare como uno de sus grandes amores literarios. De hecho denominaba a Omar Khayyam como 'El rey de hedonismo', una palabra que sirve para definir en parte su novela 'El Retrato de Dorian Gray'. En ella hay una búsqueda del placer y el bienestar en todos los ámbitos de la vida, siendo ese placer el bien supremo. Por el contrario, Oscar Wilde abre su novela con un prefacio escribiendo "El artista es el creador de cosas bellas" y lo finaliza en una aparente contradicción: "Todo arte es inútil". Todos esos elementos configuran una de las obras literarias más importantes de la historia y la adaptación al cine en 1945 evoca de manera extraordinaria lo que transmite la novela.

Nosferatu - La sombra alargada del horror

 

Vampiro. Una criatura que se alimenta de la esencia vital de otros seres vivos para así mantenerse activo. Vampiro. Una palabra que es capaz de poner los pelos de punta tanto a niños como a adultos. Cuentos e historia populares sobre los no muertos se remontan a muchos siglos atrás. Pero el vampiro más famoso de todos no nació hasta finales del siglo XIX cuando un escritor llamado Bram Stoker utilizó la figura histórica de Vlad el Empalador y como inspiración creó la leyenda del conde Drácula. Desde que se publicó por primera vez el libro de Stoker, ningún icono ha estado más estrechamente relacionado con el mal y el horror que Drácula. De hecho junto con Sherlock Holmes, Drácula es el personaje literario más veces llevado al cine.

El Tesoro de Sierra Madre - Fiebre de codicia y avaricia

 Cuando pensamos en cine de aventuras, imaginamos a una persona o varias personas pasando dificultades extremas para encontrar un tesoro. Lo que nos atrae de ese género son las vivencias de esos personajes, lo que afrentan, si hay un villano que les entorpece y si al final este tesoro final vale la pena para todo el duro viaje que han sufrido. Cuando lees el título de 'El Tesoro de Sierra Madre', crees que te encuentras con ese tipo de película. Y si, la genial película de John Huston es cine de aventuras. Pero de otro tipo, de otro estilo. Una aventura donde la condición humana y sus defectos se exponen al espectador. Y pocos directores en la historia del cine son tan capaces de mostrar todo eso que John Huston. Un director que supo escenificar la aventura y además aportar una mirada introspectiva, desde películas como 'Moby Dick' y 'La Reina de África' llegando hasta 'El hombre que pudo reinar'

Las zapatillas rojas - Vivir para bailar, amar para vivir

"La pasión guía cada extraordinario momento de 'Las zapatillas rojas', que es lo que provoca que estas maravillosas imágenes en Technicolor sean tan vívidas y conmovedoras y cuya brillante belleza ha sido restaurada hoy. Los personajes y el mundo que los rodea han revivido con todo el doloroso esplendor que ellos mismo se esfuerzan por crear. Los rojos brillantes y los azules profundos, los amarillos vibrantes y los negros brillantes, la piel que brilla en los primeros planos, a veces en éxtasis y a veces en agonía, o ambos al mismo tiempo ... tantos momentos, tantas emociones en conflicto, tal torbellino de colores, luz y sonido que prendieron fuego en mi mente la primera vez, la primera de tantos visionados"

Martin Scorsese durante la restauración de 'Las zapatillas rojas'

Noche en la ciudad - La ambición de un hombre muerto

 

Dentro del cine noir, estamos acostumbrados a ver escenarios urbanos de Estados Unidos: Nueva York, Los Angeles, Chicago ... Suelen ser el marco ideal para integrar este tipo de historias. 'Noche en la ciudad' empieza con el telón de fondo de una ciudad europea. Y entre esas imágenes nocturnas, una voz se eleva y dice: "La noche en la ciudad. La noche es esta noche. La ciudad es Londres". Una ciudad donde se desarrolla toda la acción y un personaje secundario de toda la trama. Y en medio encontramos a un truhán, un vividor, un personaje extravagante que vendía cualquier artículo con un guiño o una sonrisa, acompañado además de un gran encanta. Ese es Harry Fabian (Richard Widmark) y desde el inicio hasta el final vemos su caída a una pesadilla fatalista.

Juan Nadie - Una figura mesiánica

 1939. Frank Capra abandona Columbia Pictures. Su relación exitosa con la productora de Harry Cohn toca a su fin y Capra se convierte en lo que más quería: un director independiente, además de productor de sus propias películas y creando empresas como Frank Capra Productions Inc. y Liberty Films junto con su guionista habitual Robert Riskin. 'Juan Nadie' fue la primera de aquellas películas, con las cuales Capra pretendía tener más libertad creativa. Aún así 'Juan Nadie' seguía la conexión entre películas suyas anteriores como 'El secreto de vivir' y 'Caballero sin espada', siendo denominadas estas tres películas como la 'Trilogía del Hombre Corriente'.

El gabinete del Doctor Caligari - El expresionismo del terror

 

Resulta quizás algo curioso que una película de hace justamente cien años siga creando actualmente en todo espectador que la ve sensaciones increíbles. 1920, un año que marcaba el estreno de tres películas pioneras dentro del expresionismo alemán en el mundo del cine: 'El Golem', 'El Gabinete del Doctor Caligari' y 'De la mañana a la medianoche'. Caligari se ha convertido en la película más famosa de las tres. La combinación de decorados y edificios distorsionados, las actuaciones expresionistas y el fuerte contraste entre luces y sombras crearon una estética  tan original que se acuño la palabra 'Caligarismo' para designar una nueva categoría de películas influenciadas por la pintura expresionista.

'Vuelve pequeña Sheba'. Vivir el presente.

Es posible que de primeras el nombre de William Inge no suene nada. Tal vez sea porque otros dramaturgos como Tennessee Williams y Arthur Miller hayan gozado de más popularidad. Pero si decimos de Inge que ganó un Pulitzer en 1953 con 'Picnic', que recogió un Oscar por 'Esplendor en la hierba' en 1962 ya resulta más conocido, obras y películas de éxito enormemente alabadas. Pero Inge sintió que estaba perdiendo el tacto y que no tenía la intimidad necesaria con los personajes que escribía. Todo ello le llevó a una depresión por la cual se suicidó en 1977. Inge sabía capturar la mentalidad de esos pequeños pueblos americanos. 'Vuelve pequeña Sheba' fue la primera obra que se adaptó a la gran pantalla de Inge y también fue la primera película de Daniel Mann, que realiza una excelente trabajo en torno a la teatralidad inherente de una obra de este calado.

'La tragedia de La Bounty', el motín

El relato del histórico motín de La Bounty ha estado representado cinematográficamente en cinco ocasiones. Además de la producción de 1935, ganadora de un único Oscar  a la  Mejor Película y que posiblemente sea la mejor de todas, hay otras versiones. La primera fue en 1916, perdida de los archivos cinematográficos para siempre. En 1933, Errol Flynn en uno de sus primeros papeles apareció en 'In the wake of the Bounty'. Se dice que Flynn era descendiente directo del personaje que protagonizó, Fletcher Christian, aunque más bien lo era de un guardiamarina del mismo barco. La de mayor producción se realizó en 1962 con Marlon Brando, Trevor Howard y Richard Harris y ya en menor medida Anthony Hopkins y Mel Gibson protagonizaron la versión de 1984.

'One Day', el amor es una cuestión de decisión

No quiero tu teléfono, ni cartas, ni postales. No quiero casarme contigo. Definitivamente no quiero tener tus hijos. Pase lo que pase, tuvimos hoy. Y si en el futuro llegamos a cruzarnos, eso también está bien. Seremos amigos

En el tramo final de ‘One Day’ (íd., Lone Schrefig, 2011), de una intensidad y dramatismo sobrecogedores, el personaje de Anne Hathaway, Emma, suelta esta curiosa declaración, real como la vida misma. El espectador, que ha sido testigo de lo que pasará en los próximos 20 años de las vidas de Emma y Dexter (Jim Sturgess), sonríe con total alegría pues sabe que Emma no cumplirá su promesa. Una declaración en lo alto de una colina en un 15 de julio de 1988 es el punto de inicio a una de las historias de amor más emotivas, verdaderas y deslumbrantes que ha dado el cine en los últimos años. Su estructura narrativa, con saltos en el tiempo que duran un año, no es sólo una atractiva forma de narrar la historia, también remarca el carácter imperecedero del sentimiento más fascinante que el ser humano posee, mostrando la incertidumbre, los miedos e inseguridades que afloran cuando se presenta la oportunidad de ser feliz.

'El loco del pelo rojo', ver la naturaleza desde un cielo más claro

Seguramente si a cualquier persona le preguntas por un pintor, sepa de arte o no, te responderá Vincent Van Gogh. Es quizás el pintor con la labor artística más reconocida en óleos como 'La noche estrellada', considerada su obra maestra. Van Gogh produjo en toda su breve vida (falleció con solo 37 años) unas 900 pinturas y 1600 dibujos durante un período de solamente 10 años entre 1880 y 1890. Pero hubo un Van Gogh más allá de todos esos óleos, retratos y paisajes. Sufrió una enfermedad mental que le condujo finalmente al suicidio y su carrera pictórica estuvo marcada por los sitios donde trabajó y vivió, además de las relaciones que tuvo con diversas personas, en especial con su hermano Theo con el cual mantuvo una estrecha relación epistolar y el pintor Paul Gauguin, con el cual convivió un tiempo y a raíz de una discusión que mantuvo con él se cortó la oreja. Si Vincent Van Gogh no hubiera vivido, quizás hubiera sido necesario inventarlo.