'Quien a hierro mata', en busca del plano perfecto

'Quien a hierro mata' (Paco Plaza, 2019) es la demostración palpable de que un buen guion no significa hacer una buena película. No me malinterprete el lector, el thriller de Plaza no es un mal film, pero no es esa obra maestra que se lleva cacareando desde antes de su estreno. En una época, que comenzó hace cinco años más o menos, las películas que se estrenan sólo reciben dos etiquetas, o son obras maestras capaces de cambiar el arte, o son pérdidas de tiempo absolutas. ¿Dónde quedan las maravillosas gamas de grises, los matices, las grandes imperfecciones? ¿Dónde queda la famosa frase de Jean Cocteau sobre la imperfección en el arte?

Pero no nos alarmemos ni escandalicemos con las prácticas del conformismo intelectual. Lo que aquí nos importa de verdad es la película, y ésta parte de una sensacional historia de Juan Galiñanes, quien en su currículum posee el excelente montaje de la correcta 'Feedback' (íd., Pedro C. Alonso, 2019), además de ser un gallego de pura cepa, con ese particular sentimiento que nos caracteriza, aplicado a un libreto que, puesto en imágenes no brilla todo lo que debiera. Eso sí, hay planos inolvidables.

'Melodías de Broadway (1953)', That´s entertainment !!!

'Melodías de Broadway' (1953) (The Band Wagon) es la perfecta historia sobre el montaje de un espectáculo. Reunió a toda la gente que sabía como montar un espectáculo, como hacer una película.  Fue una gran éxito en toda América, era la música de la calle, las canciones que se oían en la radio y los tocadiscos. Fue el último de los gloriosos musicales de MGM. Hacia 1952, Arthur Freed y MGM estaban en forma y producían musicales de éxito, incluido su último triunfo 'Cantando bajo la lluvia' (1952). Freed preparó su próximo musical que estaría basado en las famosas canciones del compositor Arthur Schwartz y el letrista Howard Dietz. Al igual que con  'Cantando bajo la lluvia', Freed contrató a los escritores Betty Comden y Adolph Green para que crearan un guión basado en los éxitos más notables del repertorio de Schwart y Dietz. Encajaron las canciones en la historia con un trasfondo teatral añadiendo sus propias experiencias en un argumento bastante simple: Una estrella de cine en declive vuelve para hacer un espectáculo y todos los problemas derivados de producir ese espectáculo, esa era la estructura básica reflejando todo lo que era Broadway. Incluye además una historia de amor, dificultades y algo de humor aunque claro, lo que destaca sobremanera son los números musicales, que siendo su mayoría aislados de la trama principal (ya que son números que forman parte de la propia función), no resultan inadecuados es más, son de lo mejor de la película.

'La delgada línea roja', el mundo de Terrence Malick

‘La delgada línea roja’ (‘The Thin Red Line’, 1998), como bien sabéis, compitió directamente con ‘Salvar al soldado Ryan’ (‘Saving Private Ryan’, Steven Spielberg) aquel año, tanto en taquilla como en premios. En ambos casos quedó por debajo de la obra maestra de Spielberg, con la que guarda el único parecido de que ambas pueden incluirse dentro del género de cine bélico, por la costumbre de etiquetarlo todo. Malick juega en otra liga, siempre lo ha hecho, su visión del mundo es distinta a la de cualquier otro cineasta, con sus pros y sus contras.

Terrence Malick llevaba más de veinte años sin dirigir una película, desde la aburrida ‘Días del cielo’ (‘Days of Heaven’, 1978), y su vuelta al cine fue una noticia bomba que rápidamente golpeó en todos los despachos de Hollywood. Prácticamente todo el mundo quería participar en el film que estaba preparando el director de ‘Malas tierras’ (‘Badlands’, 1973), no importaba el personaje ni el tema ni nada. Confiaban ciegamente en un director que tan sólo había hecho dos películas. Incluso actores como Sean Penn estaban dispuestos a trabajar con él por tan sólo un dólar. ¿Exageración? ¿Admiración desmesurada?

'Tener y no tener', la historia de un flechazo

‘Tener y no tener’ (‘To Have and Have Not’, Howard Hawks, 1944) se gestó mientras Howard Hawks y Ernest Hemingway pescaban juntos. El mítico director le sugirió al insigne escritor que se podía hacer perfectamente una buena película de la peor de sus obras, y que esa no era otra que la, en palabras de Hawks, la asquerosa ‘Tener y no tener’, la cual según Hemingway escribió porque necesitaba el dinero. El escritor no colaboró en el guión, pero Hawks echó mano de uno de sus mejores amigos, William Faulkner.

Evidentemente las intenciones del director de 'Camino a la gloria' (‘The Road to Glory’, 1936) eran apartarse de la novela en cuestión, conservando sólo ciertos elementos y construir con ellos un film realmente atípico por cuanto es una mezcla de géneros tan equilibrada —algo que por cierto era marca de la casa en el cine de Hawks— que resulta imposible establecer si estamos ante un drama, ante una historia de amor, ante un film noir o ante un film de aventuras.

'Breve Encuentro', el próximo jueves a la misma hora

Cuando se cita a David Lean, normalmente se suelen mencionar sus grandes películas épicas como 'Lawrence de Arabia' (1962), 'Doctor Zhivago' (1965) y 'El puente sobre el río Kwai' (1957). Su primer período en Inglaterra no suele ser tan prestigioso. Esa primera parte del trabajo del realizador británico estuvo marcada por adaptaciones literarias de obras de Charles Dickens como 'Cadenas Rotas' (1946) y 'Oliver Twist' (1948) y otras películas de género como su primera película, la bélica 'Sangre, sudor y lágrimas' (1942) o la comedia fantástica 'El espíritu burlón' (1945), entre otras. Acabada la Segunda Guerra Mundial, David Lean era un cineasta de referencia. Junto al dramaturgo Noel Coward había formado una pareja exitosa. Su última colaboración fue 'Breve Encuentro' (1945). En principio parecía que iba a ser una de las películas menos relevantes en la filmografía de David Lean y con el paso del tiempo se convirtió en una de sus más grandes obras y en su relato más íntimo. 'Breve Encuentro' es una prueba temprana del dominio cinematográfico de David Lean, con una puesta en escena que rompe la linealidad temporal y la abundancia de encuadres extremos. La pureza que nos muestra Lean a través de Laura, el personaje principal, es de una brillantez abrumadora.

'Mademoiselle Fifi', la resistencia es femenina

'Mademoiselle Fifi' (íd., 1944) es la segunda película como director de Robert Wise; realmente la primera en solitario. Al igual que la anterior, 'La maldición de la mujer pantera' ('The Curse of he Cat People', 1944), fue producida por Val Lewton, insigne productor de la RKO y unos cuantos títulos dentro del género de terror, destacando, cómo no, la mítica 'La mujer pantera' ('Cat People', Jacques Tourneur, 1942). El montador de películas como 'Ciudadano Kane' ('Citizen Kane', Orson Welles, 1941) aprendió con Lewton a sugerir antes que a mostrar, también a sintetizar, todo ello con la puesta en escena.

La presente destaca en el conjunto de producciones de Lewton en aquellos años por no tratarse de un film de terror y/ o fantástico. Estamos ante la adaptación de dos de los relatos cortos de Guy de Maupassant, el que da título a la película más 'Boule de suif', con importantes cambios con respecto a la obra escrita. Así, y debido al código Hays, la protagonista pasa de ser prostituta a lavandera, y ceder ante las demandas sexuales de su antagonista —el Fifi del título, un hombre con apodo femenino— se convierte en la película en "cenar juntos". Estos cambios, lógicos por otro lado, no afectan argumentalmente a la película, la cual se divide en dos partes bien diferenciadas, y encierra muchas más cosas de las que parece a simple vista.

'Cuestión de sangre', cuestión de tono

Ahora que se acerca la esperada 'Ad Astra' (2019) —la primera incursión de James Gray en el agradecido terreno de la ciencia ficción— es buen momento para recuperar la ópera prima de un director que, desde sus inicios, está yendo a contracorriente en todos y cada uno de sus proyectos. 'Cuestión de sangre' ('Little Odessa', 1994) se estrenó con más de dos años de retraso en nuestro país, por el que pasó con más pena que gloria a pesar de las excelentes críticas que tuvo. Eran tiempos en los que la distribución no temía a Internet y hacía con las películas lo que le daba la gana, prácticamente lo siguen haciendo ahora pero con el añadido de los lloriqueos. En cualquier caso hablamos de una película que destaca entre sus coetáneos, en un año en el que uno de los grandes triunfadores fue Quentin Tarantino con su 'Pulp Fiction', con la que el film de Gray comparte actor: el muy de moda por aquel entonces Tim Roth.

Precisamente Roth interpretó el film de Gray entre la admirada obra de Tarantino y la popular 'Rob Roy' (íd., Michael Caton-Jones, 1995), dos de sus roles más recordados. Sin embargo, la interpretación de Roth en la presente supone uno de los mejores trabajos del actor que, con la ironía que llevan de la mano tanto el éxito como el fracaso, es también una de las menos conocidas.

'Espejismo', perverso juego sobre los recuerdos

'Espejismo' ('Mirage', 1965) es una película realmente curiosa en la filmografía de Edward Dmytryk. El que había dirigido films tan estimables como 'Venganza' ('Cornered', 1946) —señalada en ocasiones como su mejor trabajo—, 'Encrucijada de odios' ('Crossfire', 1947) —clásico del Film Noir, y conocida en algunos lugares como "la películas de los tres Robert"— o 'Lanza rota' ('Broken Lance', 1954) se atrevió a mediados de la década de los sesenta con una película de suspense que se encuentra entre sus trabajos menos recordados injustamente. El film, que ganó la Concha de Oro del Festival de San Sebastián en 1965 —premio del que Dmytryk no se enteró hasta que fue presidente del jurado años más tarde, anécdota donde las haya— navega a la sombra del estilo de Alfred Hitchcock, en aquellos años uno de los directores con más éxito.