Críticas a la carta: Los sobornados - Ajuste de cuentas

Fritz Lang es sin duda una de las figuras más fascinantes de la historia del cine. Estuvo en todas las fases de los inicios de cine, desde el mudo hasta el expresionismo alemán y pasando por el sistema de estudios de Hollywood hasta producciones independientes cuando ese sistema empezó a colapsar. Las últimas películas americanas de Friz Lang tienen un visión pesimistas de Estados Unidos y sus ideales. El director dejó Estados Unidos tres años después de rodar 'Los sobornados' en 1953 con dos historias negras y cínicas: 'Más allá de la duda' y 'Mientras Nueva York duerme'. Con 'Los Sobornados', Lang unió un cine negro no violento con un melodrama más violento, en el cual la iluminación expresionista tan propia de Lang, el uso de los decorados y el vestuaio reflejan de manera muy marcada los rasgos de personalidad de los personajes principales de la película. Un escaso guión contiene  una potente historia donde hay venganza, asesinato y odio, el cual fue escrito Sidney Boehm, el cual adaptó un serial escrito originalmente por William P. McGivern para el Saturday Evening Post. Ese serial fue tan popular que Columbia compró los derechos incluso antes de que apareciera el capítulo final. El título original, 'The big heat', se refiere a una expresión dentro de la jerga criminal para referirse a la represión policial sobre actividades ilegales.

'Union Station', realismo y violencia

Seguro que muchos os acordaréis del instante en el que Rick Deckard en ‘Blade Runner’ (id, Ridley Scott, 1982) es llamado por su antiguo jefe para dar caza a los replicantes. La comisaría es en realidad la Union Station de Los Ángeles, uno de los lugares de la ciudad más utilizados en los rodajes de películas. Otros ejemplos serían ‘El buscavidas’ (‘The Hustler’, Robert Rossen, 1961), 'Driver' (‘The Driver’, Walter Hill, 1978) o ‘El caballero oscuro: La leyenda renace’ (‘The Dark Knight Rises’, Christopher Nolan, 2012), pero una de las primeras películas que utilizó esa estación de tren, tal vez la que más, fue ‘Union Station’ (id, Rudolph Maté, 1950), cuya trama se desarrolla la mayor parte en dicho lugar.

El demonio de las armas- Mujer letal

Durante su etapa como crítico cinematográfico, el cineasta Paul Schrader publicó en la revista "Film Comment" un excelente ensayo sobre el cine negro americano. Decía:"El noir fue un período intensamente creativo, quizás el más creativo de la historia de Hollywood, si valoramos esas creatividad no por sus cimas sino por su nivel artístico medio. Selectivo y caprichoso, el noir es probablemente una cine mejor elaborado que las comedias silentes, las comedias o los westerns. Por ejemplo, las películas negras B de Joseph H. Lewis son mucho mejores que sus westerns".  No le falta razón. Películas como 'Relato criminal', 'Agente especial' y 'El demonio de las armas' permitió a Joseph H. Lewis dar rienda suelta a su creatividad. En concreto con 'El demonio de las armas', Lewis nos muestra a dos personajes que surgen de la parte más negra de la sociedad. Esta historia de Romeo y Julieta como ladrones armados hizo ostentación de los tabúes de Hollywood y casi 20 años antes de que 'Bonnie & Clyde' (1967) produjera un cambio sorprendente en el cine americano, 'El demonio de las armas' ya estaba alli. Fue una película muy poco vista durante décadas hasta que su redescubrimiento la convirtió en una de las grandes películas de culto del género.

Críticas a la carta: 'A Ghost Story' de David Lowery

David Lowery subvierte hasta lo indecible el tradicional cuento de fantasmas en 'A Ghost Story' (íd., 2017), en la que ha vuelto a reunir a Rooney Mara y Casey Affleck después de 'En un lugar sin ley' ('Ain´t Them Bodies Saint', 2013), demostrando que ambos intérpretes poseen una compenetración perfecta en pantalla. Si en aquella se narraba una atemporal historia de amor rodeada de un mundo bañando en violencia, evocando miradas pasadas de autores como Terrence Malick e incluso Sam Peckinpah, dos películas después —ha habido un "intervalo" en el que el director ha aportado su particular mano al universo Disney en la nada desdeñable 'Peter y el dragón' ('Peter´s Dragon' 2016), remake superior a su original— Lowery sigue hablándonos del paso del tiempo, de la pérdida, del amor.

Historia de un detective - Bésame y muere, muñeca

'Historia de un detective' puede considerarse con el primer prototipo del noir de la historia. Su trama de complicado misterio, la fotografía, la iluminación atmosférica y su densidad, sus giros de trama y la descripción de ese detective duro y cínico arrojado a un un mundo de corrupción sentó muchas bases del género, además del éxito en taquilla que sirvió para establecer el noir en Hollywood. A raíz de aquellos, un par de años después se adaptó al cine otra novela de Chandler, la cual por sus actores (Bogart y Bacall) resulta más conocida: 'El sueño eterno'. El laberíntico guión se adapta de una novela de Raymond Chandler, volviéndose complicada en un mismo nivel que 'El sueño eterno'. Fue la primera película que contó con la figura del famoso detective Philip Marlowe. Chandler en un principio quiso apellidarle Mallory pero su esposa le convenció de que fuera Marlowe. La novela original, 'Farewell, My lovely' era más bien la unión de dos historias de Marlowe; 'Try the girl' y 'Mandarin Jade'. Se dice que mientras Chandler escribía las novelas de Marlowe pensaba en Cary Grant como protagonista de ellas.

'Fuego en el cuerpo', canto a la femme fatale

Corre el año 1981. Lawrence Kasdan ha escrito los guiones de ‘El imperio contraataca’ (‘The Empire Strikes Back, Irvin Kershner, 1980) y 'En busca del arca perdida' (‘Raiders of the Lost Ark’, Steven Spielberg, 1981). Un tercero se apartaba completamente del tono de los citados, aunque comparte con ellos una cinefilia fuera de lo común. La fantasía, con toques de ciencia ficción, en el primero, el cine de aventuras en el segundo, y el más puro cine negro en ‘Fuego en el cuerpo’ (‘Body Heat’, 1981), ópera prima de Kasdan que subió la temperatura en los cines cuando se estrenó.

El mismo año que Jack Nicholson y Jessica Lange se lo pasaban en grande en lugares como una cocina, la debutante Kathleen Turner y William Hurt —que sólo tenía un par de películas— calentaron las mentes de los espectadores con una historia que es toda una declaración de amor al Film Noir. La sombra de ‘Perdición’ (‘Double Indemnity’, Billy Wilder, 1944) navega continuamente por la trama en la película de Kasdan, y además en su dibujo de la femme fatale, que evoca directamente a Lauren Bacall y alguna de las películas que interpretó dentro del género.

'El último refugio', juntos hasta la muerte

'El último refugio' ('High Sierra', Raoul Walsh, 1941) fue escrita por R.W. Burnett, a partir de una novela suya, y John Huston en el mismo año en el que debutó en la dirección de películas con la mítica 'El halcón maltés' ('The Maltese Falcon') Huston participaba en esta no menos mítica cinta que suponía en cierto modo una transición entre las películas de gángsters de los años 30 y el nuevo cine negro que se avecinaba, y en el que el Código Hays tuvo mucho que ver. El guión fue ofrecido en un principio a Paul Muni y George Raft, quienes venían de triunfar con ese tipo de films, pero Muni no estaba contento con el libreto, y Raft quería apartarse de ese tipo de personajes. Ahí entró en escena Humphrey Bogart, que luchó por el papel principal, que sería el que le lanzaría al estrellato.

Agente Especial - El primero es el primero y el segundo no es nada

'Agente Especial' fue la última película de un ciclo de películas noir dirigidas por Joseph H. Lewis quien se puede considerar como un 'cineasta de serie B'. También fue una de las últimas grandes pelis noir de su ciclo. Dentro del cine noir, donde abundan historias amargas y oscuras, 'Agente Especial' sorprende con su franca sexualidad, su sadismo retorcido y una impresionante fotografía en blanco y negro de John Alton, que enmarca el relato en un mundo de sombras, luces y fondos iluminados que inducen a cierta claustrofobia. No en vano, 'Agente Especial' empieza con una clara declaración de intenciones de Lewis, con ese plano largo de la persecución de Susan por parte de Fante y Mingo, contrastado por la citada excelente fotografía de John Alton.

'La calle del misterio', la búsqueda de la verdad

John Sturges fue conocido sobre todo por sus westerns de los años 50 y 60, entre los que destaco 'Duelo de titanes' ('Gunfight at the O.K. Corral', 1957) y 'El último tren de Gun Hill' ('Last Train From Gun Hill', 1959), y su nombre pasará a la historia por haber dirigido dos de las películas más populares que existen, 'Los siete magníficos' ('The Magnificent Seven', 1960) y 'La gran evasión' ('The Great Escape', 1963). Antes de hacerse cargo de películas caras y en glorioso cinemascope, Sturges tuvo una primera etapa de películas pequeñas en lo que respecta a presupuesto, y trabajando para la Metro Goldwyn Mayer realizó algunas películas policíacas como la que nos ocupa, 'La calle del misterio' ('Mystery Street', 1950). Hay en ella numerosos elementos para considerarla una de sus mejores obras, casi a la altura de 'Conspiración de silencio' ('Bad Day at Black Rock, 1955), para el que firma la obra maestra de Sturges.

Laura - De amor, misterio y obsesión

En la década de los años 40 surgió con fuerza un nuevo género: el noir. Y durante un par de años entre 1944 y 1945 surgieron historias donde la mujer era el máximo referente. Muchas de esas ocasiones era la denominada 'femme fatale' en películas como 'La mujer del cuadro', 'Perversidad', 'Perdición', 'Que el cielo la juzgue' y '¿Ángel o diablo?' y otras más alejadas del noir pero con un componente psicológico notable como 'Luz que agoniza' y 'Recuerda'. 'Laura' se puede situar entre ambas definiciones. Posee cualidades noir muy notables y también esa parte psicológica y obsesiva de sus personajes. Fue además la primera gran película de Otto Preminger, uno de esos tantos directores europeos que emigraron a Estados  Unidos y realizaron exitosas películas no exentas de calidad. 'Laura' parte de una novela de Vera Caspary y su adaptación nos presenta una película que realiza un exámen oscuro de la obsesión romántica, la idolatría femenina y el deseo masculino de poder y controlar. No es un noir típico en su sentido visual pero los lugares donde se desarrolla, un protagonista imperfecto y moralmente sospechoso, una femme fatale en potencia, un ácido diálogo, sexo, violencia, cinismo respecto al amor ... es una película que se define dentro de esa ambigüedad antes comentada.

'Sicarivs: La noche y el silencio', excelente noir patrio

En los últimos años el cine de género que se realiza en nuestro país goza de cierto prestigio al estrenarse varias películas que siguen el camino adecuado para devolver la fe en nuestro cine, casi siempre atacado —muchas veces con razón—, y demostrando que aquí no tenemos nada que envidiar a otras cinematografías. Directores como Alberto Rodriguez, Dani de la Torre o Raúl Arévalo, por citar algunos, han elevado nuestro thriller a lugares altos.

Debería sumarse el nombre de Javier Muñoz por el hecho de haber escrito y dirigido ‘Sicarivs: La noche y el silencio’ (2015), film que ha pasado sin pena ni gloria por nuestras carteleras. El Bluray es una buena oportunidad para rescatar una de las cintas de género más atrevidas y satisfactorias salidas de nuestro cine actual. Un cine negro estilizado que además destila amor por el séptimo arte por los cuatro costados. El eco de directores como Jean-Pierre Meville, ergo Michael Mann también, se oye entre sus sonidos.

Perversidad - Falsas Ilusiones

Si pensamos en cine negro, uno de los primeros autores que nos vienen a la cabeza en Fritz Lang. No es que creara el género pero su influencia ocupa un lugar importante en el género. Sus señas de identidad, como los ángulos sesgados y las composiciones repletas de sombras del expresionismo alemán de los años 20 y principios de los 30 son muy destacables. Películas como 'Las arañas', 'Doctor Mabuse' y 'Metrópolis' contribuyeron a definir su estilo. Aunque fue su primera película sonora, 'M', la que se convertiría en el prototipo más claro del cine negro donde se mezclaba una perturbadora y oscura historia criminal con una fotografía sombría y siniestra. Sin embargo, sus películas más elogiadas son las de cine negro: historias de crímenes duros, cínicos y sexuales vistos desde la perspectiva de la debilidad de la naturaleza humana. En 1944 y 1945, Fritz Lang realizó dos películas consecutivas con un tema bastante similar y un mismo reparto: 'La mujer del cuadro' y 'Perversidad', ambas enfocadas en como los personajes más inocentes pueden estar motivados para asesinar. La última, 'Perversidad', fue prohibida temporalmente en tres estados y un censurador la calificó como 'licenciosa, profana, oscura y contraria al buen orden de la comunidad". Si bien no tanto ahora como cuando fue estrenada, 'Perversidad' aún conserva su capacidad de sorprender.

'Orden: Caza sin cuartel', realismo minucioso y aterrador

La película más conocida del desconocido Alfred E. Werker es ‘Orden: Caza sin cuartel’ (‘He Walked By Night’, 1948), y que en realidad fue co-dirigida. Resulta irónico que su film más redondo sea realmente mérito de un director mucho más famoso como Anthony Mann, quien antes de sus míticos westerns filmó alguna que otra joya de Film Noir en una época no demasiado analizada en su filmografía.

Se desconocen por completo las razones por las que Mann no está acreditado, habiendo sustituido a Werker a mitad de rodaje, siendo autor de más de la mitad de metraje y sobre todo de las secuencias más recordadas, en las que efectivamente se nota su mano. En cualquier caso estamos ante una de esas joyas a las que el paso del tiempo, y también al crítico/cinéfilo estudioso y buscador, ha puesto en su debido lugar, descubriéndose hoy día como el más claro precedente de ‘El tercer hombre’ (‘The Third Man’, Carol Reed, 1949), la cual parece inspirarse, quizá demasiado, en su tramo final.

Perdición - El crimen huele a madreselva

Seguramente si alguien me preguntara por cual película de cine negro debería empezar mi respuesta inmediata sería 'Perdición'. Es una película que define perfectamente el género y va más allá de la condición de clásico. Tiene su lugar bien merecido en el panteón de la historia del cine, sin importar los años que han pasado desde que se estrenó, ni la primera vez que uno la vió. Puede verse como una más de tantas y tantas adaptaciones de novelas negras que se hicieron en la edad dorada de Hollywood. Pero 'Perdición' define el cine negro como ninguna, una obra maestra de iluminación, dirección, actuación y escritura. Y es que 'Perdición' se considera uno de los primeros noirs de la historia, aunque Billy Wilder jamás había oído hablar antes del cine negro. Su primera intención era hacer una película de suspense, un thriller con tintes criminales y pasionales, temas que inspirarían una serie de peliculas sobre 'femme fatale' a lo largo de los años 40 y 50.

'El desconocido del tercer piso,' el primer noir

Suele decirse, en libros varios, que la película que inició “oficialmente” el cine negro, Film Noir para los franceses –suena mucho mejor− fue la tercera adaptación de la novela de Dashiell Hammett ‘El halcón maltés’, dirigida por John Huston en 1941. Marcar el verdadero inicio del cine negro americano es algo realmente difícil, pues teniendo en cuenta sus principales elementos, muchos de ellos ya se daban en el cine mudo y los años treinta, en los que el cine de gánsteres proliferaba mucho más y gozaba de gran éxito.

‘El desconocido del tercer piso’ (‘Stranger on the Third Floor’, Boris Ingster, 1940) suele ser citada como el primer Film Noir por excelencia. Curiosamente, en ésta y en la de Huston participa el actor Peter Lorre, que había alcanzado la fama por su perversa composición en el clásico 'M, el vampiro de Düsseldorf' (‘M’, Fritz Lang, 1931), en la que también podemos encontrar elementos del género, sobre todo en lo que respecta a la iluminación. Lorre participó en la ópera prima de Ingster porque por contrato debía dos días a la RKO. El film, poco conocido hoy día, es una pequeña maravilla.

'Polytechnique', Denis Villeneuve y el universo femenino

Al que no le quede aún claro que el cine de Denis Villeneuve da más importancia a los personajes femeninos que a los masculinos debería ver la que es una de sus mejores, sino la mejor, películas: ‘Polytechnique’ (id 2009). La misma recoge el fatídico hecho acaecido en el Instituto Politécnico de Montreal el 6 de diciembre de 1989, cuando un alumno armado con un rifle semi-automático, acabó con la vida de catorce mujeres, hirió a otras quince, y se suicidó tras proclamar que “luchaba contra el feminismo”. Villeneuve cambió los nombres reales por respeto a las víctimas, y no estrenó el film sin el visto bueno de los familiares de los fallecidos en aquel horror.

77 minutos de puro cine en los que el director canadiense maneja con habilidad un tema tan espinoso como el femenismo mal entendido, la violencia presente en la sociedad, y las consecuencias de un acto perfectamente condenable desde varias perspectivas. A través de un aterrador blanco y negro, de un montaje soberbio, de flashforwards y flashbacks entrelazados, Villeneuve se erige como un genio de la síntesis, ofreciendo una pieza fílmica reflexiva hasta límites insospechados, siempre teniendo en cuenta la inteligencia del espectador, y también sin ponérselo fácil, aun partiendo de un hecho verídico.

'Remorques', cuando el amor muere la vida sigue

‘Remorques’ (íd., Jean Grémillon, 1941) es una de las películas más destacables de la actriz Michéle Morgan, fallecida en diciembre del 2016. Grémillon es uno de los cineastas franceses menos reconocidos de una de las gloriosas épocas, quizá la mejor, de la cinematografía francesa, la que va de la década de los treinta a los cincuenta. Directores como Jean Renoir, Marcel Carné, Julien Divivier, Jean Vigo y Henri-Georges Clouzot, entre otros, dejaron algunas de sus mejores obras.

‘Remorques’ es titulada en algunos lugares como ‘Remordimientos’, que aunque puede jugar con cierto tramo del argumento, no hace justicia alguna a un film enormemente intenso. El título en español debería haber sido la traducción literal del original, que en francés significa ‘Remolques’ y que va mucho más acorde, ya que no sólo hace referencia al trabajo del protagonista masculino, sino que incluso posee cierto tono metafórico. Se remolca algo más que barcos a la deriva en esta película.

Críticas a la carta: 'Memento' de Christopher Nolan

Christopher Nolan se ha convertido, con el tiempo, en uno de los principales gurús del cine mainstream actual. Su mirada hacia el hombre murciélago ha sido probablemente el principal detonador de ello —tanto que ahora el blockbuster parece regirse, en líneas generales, por una especie de regla no escrita: deben tener, en la medida de lo posible, un tono Nolan—, ganándose la confianza de otra parte del público con sus acercamientos a las masas con temas que parecían reservados a las minorías —aquellas en las que alguien dijo una vez que está la pureza—. Así lo ha hecho con sus muy exitosas 'Origen' ('Inception', 2010) o 'Interstellar' (íd., 2014), "adaptando" temas ya tratados por directores menos populares, tales como Alain Resnais o Andrei Tarkovsky.

Pero antes de la fiebre Nolan y de que éste director prometiese el no va más en espectáculo en cada nueva película, se dio a conocer mundialmente, y dentro de los límites de la cinefilia, con 'Memento' (íd., 2000), su segundo trabajo tras las cámaras, y en el que ya dejó patente su gusto por jugar con el tiempo cinematográfico. Con mucho menos presupuesto que sus hits el director británico demostraba entonces que le gusta arriesgarse. La idea de narrar una historia al revés de la narrativa tradicional fue un salto mortal sin red, sobre todo a finales del siglo pasado.